(Bs. Aires, 6/VII/2026, Dumont 4040). Las Aventuras de la China Iron. Texto Original: Gabriela Cabezón Camara. Dirección y puesta en escena: Hernán Marquez. Adaptación: Susana Villalba. Elenco: Flor Bobadilla Oliva – La Ferni. Músicos en escena: César Nigro – Nicolás Arroyo. Diseño y realización de video escénico: Pablo A. Varela. Dirección Musical: César Nigro. Diseño de Escenografía: Micaela Sleigh. Diseño de Vestuario: Pheonia Veloz. Diseño de Iluminación: Soledad Ianni. Diseño sonoro en estudio: Tuten Mapu. Sala: Dumont 4949. Nuestra calificación: buena
Los grandes mitos nacionales tienen una particularidad: creen haber dicho la última palabra sobre sí mismos. Pero el teatro, afortunadamente, se empeña en demostrar lo contrario. Las Aventuras de la China Iron irrumpe precisamente en ese territorio sagrado para mirar el universo del Martín Fierro desde el margen, desde la voz que la literatura oficial apenas había dejado en un rincón de la página. La adaptación escénica de la novela de Gabriela Cabezón Cámara realizada por Susana Villalba, dirigida por Hernán Márquez, no busca derribar el clásico ni polemizar con él de manera gratuita; se propone algo más interesante: escuchar aquello que el poema de Hernández había decidido callar.
El resultado es un espectáculo que propone una lectura contemporánea del universo gauchesco sin renegar de su origen. Más que desmontar el mito, lo desplaza. Cambia el punto de vista y obliga al espectador a recorrer un camino diferente.
La dirección deMárquez comprende que el desafío no consiste únicamente en trasladar una novela al escenario. El verdadero reto era convertir una escritura profundamente literaria en una experiencia teatral con autonomía propia. Y, en buena medida, lo consigue.
Uno de los grandes aciertos de la puesta reside en la utilización del silencio como elemento dramático. En una época donde muchas producciones parecen temerle a las pausas y sienten la necesidad de explicar absolutamente todo, Las Aventuras de la China Iron encuentra precisamente en esos espacios vacíos su mayor potencia expresiva. Entre palabra y palabra aparecen pequeños instantes donde la emoción termina de construirse en el espectador. Allí habita la verdadera poesía del espectáculo.
La música ocupa un lugar fundamental dentro de esa construcción, los compositores y musicos en escena César Nigro y Nicolás Arroyo, no aparecen como un mero recurso decorativo ni como una ilustración del relato. Las canciones interpretadas en vivo funcionan como una extensión de los personajes. Allí donde el texto reflexiona, la música emociona. Allí donde la palabra podría endurecerse bajo el peso de los conceptos, el canto devuelve humanidad. Ese diálogo permanente entre actuación y música constituye probablemente el aspecto más logrado de la propuesta.
En el plano interpretativo, Flor Bobadilla Oliva sostiene con inteligencia el complejo recorrido de la China. Su composición evita caer en el estereotipo o en la caricatura. Construye una mujer que va descubriendo lentamente su propia identidad, transitando desde una aparente ingenuidad hacia una conciencia mucho más profunda. El crecimiento del personaje resulta orgánico y encuentra en su expresividad vocal uno de sus principales recursos.
A su lado, La Ferni aporta una presencia escénica de enorme personalidad. Su experiencia como cantante de folklore se percibe en cada intervención musical, pero también logra construir una figura dramática que escapa del golpe de efecto. Su Fierro aparece casi como un eco del pasado, una presencia que transita entre lo real y lo simbólico, ofreciendo algunos de los momentos más emotivos de la función.
La química entre ambas intérpretes sostiene el espectáculo incluso cuando el texto pierde algo de tensión dramática. Porque allí aparece, quizás, la principal limitación de la propuesta.
La novela de Gabriela Cabezón Cámara posee una fuerte carga conceptual que en algunos momentos encuentra una traducción teatral menos dinámica. Determinadas escenas, especialmente aquellas vinculadas a la crítica social y al proceso de «civilización» dentro de la estancia, prolongan ciertas ideas más allá de lo necesario. El discurso gana espacio sobre la acción y el ritmo escénico se resiente levemente. No se trata de un problema grave, pero sí de una irregularidad que impide que la obra mantenga la intensidad emocional alcanzada en sus mejores pasajes.
Algo similar ocurre con el tramo final. La utopía comunitaria que propone el texto original conserva su fuerza simbólica, aunque en escena pierde parte de la ambigüedad que hacía tan atractivos los primeros momentos del relato. Allí la representación parece privilegiar el concepto antes que el conflicto dramático, dejando una sensación de cierre algo más explicativo que conmovedor.
Desde lo visual, la puesta opta por una inteligente austeridad. La escenografía de Micaela Sleigh rehúye cualquier tentación naturalista y trabaja sobre espacios abiertos y sugerentes que permiten que sea la imaginación del espectador la que complete aquello que no se encuentra materialmente representado. Esa síntesis escénica resulta particularmente efectiva en una obra que se mueve entre la fábula, el viaje y la reescritura del mito. El vestuario diseñado por Pheonia Veloz dialoga con la tradición gauchesca sin quedar atrapado en el costumbrismo. Sus elecciones estéticas acompañan la transformación de los personajes y contribuyen a crear un universo que oscila entre lo histórico y lo contemporáneo, entre la memoria y la reinvención. Por su parte, el diseño y realización de video escénico de Pablo A. Varela aporta una dimensión poética que amplía los límites del escenario, generando imágenes que enriquecen el relato sin imponerse sobre él. El recurso audiovisual se integra con naturalidad al dispositivo escénico y se convierte en un elemento más de la narración. La iluminación de Soledad Ianni acompaña con sensibilidad las distintas atmósferas del recorrido, modelando espacios íntimos y paisajes emocionales con una sutileza que evita todo efectismo. Su trabajo resulta esencial para construir esa sensación de viaje permanente que atraviesa la obra. Mención aparte merece la decisión de mantener a los músicos integrados a la escena. No son simples acompañantes externos ni un recurso incidental, sino parte constitutiva del universo narrativo.
También merece destacarse la recepción del público. Resulta evidente que la obra establece un diálogo particularmente fértil con las nuevas generaciones. Muchas de las discusiones sobre identidad, género y pertenencia aparecen asumidas con absoluta naturalidad por buena parte de la platea, mientras que quienes provenimos de una formación más clásica inevitablemente experimentamos cierta incomodidad inicial frente a la relectura del mito nacional. Lejos de constituir un defecto, esa convivencia de miradas enriquece la experiencia teatral y demuestra que la obra encuentra interlocutores diversos.
Las Aventuras de la China Iron no busca reemplazar al Martín Fierro, ni mucho menos cancelar su lugar dentro de la literatura argentina. Lo que propone es algo bastante más interesante: demostrar que los grandes clásicos sobreviven precisamente porque pueden ser releídos desde nuevas sensibilidades.
Quizás el material de origen conserve algunos pasajes excesivamente discursivos que afectan la continuidad dramática y el desenlace no alcance toda la intensidad prometida en el comienzo. Sin embargo, esas irregularidades no opacan una propuesta seria, honesta y cuidadosamente realizada, que encuentra en los silencios, en la música y en la humanidad de sus intérpretes sus mayores virtudes. La China Iron invita a mirar el mito desde otro lugar. No siempre convence con la misma fuerza, pero sí consigue algo mucho más valioso: abrir preguntas, generar reflexión y demostrar que incluso los relatos más sagrados pueden seguir dialogando con el presente.