Lucien Gaillard, un creador art nouveau con el conocimiento de los maestros japoneses…

Sus graciosas horquillas, peinetas y broches se han convertido en la encarnación absoluta de la tendencia «curvilínea» en el Art Nouveau. Glorificó la belleza cambiante, fluida y de corta duración; su fama resultó ser igual de fugaz …

En la segunda mitad del siglo XIX, los europeos descubrieron por sí mismos el arte japonés, y esto cambió radicalmente el vector de desarrollo del arte y el diseño. El estudio de la cultura de este misterioso país abrió nuevos horizontes para los artistas, dio nuevas fuentes de inspiración. La animación y la sencillez de la cultura japonesa, su cercanía a la naturaleza, su multidimensionalidad estética formaron la base de varias tendencias de la modernidad. Los joyeros descubrieron la asimetría, adquirieron la capacidad de mirar a su alrededor y encontrar inspiración literalmente debajo de sus pies, dejaron de perseguir imágenes de eterna juventud y se centraron en el tema del cambio, el cambio de estaciones y la inevitabilidad del desvanecimiento. Denominado con desdén como «japonismo», la fascinación de los artistas europeos por el arte japonés creció rápidamente hasta alcanzar proporciones increíbles. Lucien Gaillard no escapó a esta pasión,

Gaillard era un joyero de tercera generación, y su familia siempre fue aficionada al arte japonés, aunque todavía se les conocía como excéntricos. Sin embargo, sus méritos, habilidad e ingenio siempre superaron las rarezas.

Lucien nació y creció en París, que ya era la capital de la moda en ese momento. Y aunque el caprichoso Art Nouveau no fue una invención de los franceses, los maestros locales recogieron y desarrollaron sus motivos exóticos, y Gaillard se convirtió en un verdadero genio del Art Nouveau francés. Comenzó su carrera en la empresa de su abuelo, que heredó en 1892, y este fue el primer paso para dejar de ser descendiente de famosos joyeros y convertirse en él mismo.

El primer y principal maestro de Gaillard fue su padre, un platero que tenía numerosos premios y medallas. Sin embargo, incluso en el estado de propietario de la empresa, Lucien no dejó de estudiar ni un segundo, asistió a numerosos cursos de joyería y se comunicó con destacados maestros parisinos. Pero desde muy joven, Gaillard quedó fascinado por los secretos de las aleaciones, pátinas y barnices japoneses. Creía que fueron los japoneses quienes alcanzaron el fantástico nivel de procesamiento de metales, su coloración, y no, no buscó superarlos. Quería entenderlos.

Gaillard tenía el alma de un artista, pero la mente de un científico. Se sumergió en la investigación de metales y aleaciones y posteriormente publicó varios artículos científicos sobre la técnica de patinado. Al mismo tiempo, dirigía un taller que producía lámparas, jarrones y otros artículos de interior al estilo de Luis XV y Luis XVI. No era lo que él quería, pero esas cosas tenían demanda, lo que significa que le trajeron ingresos y fama. Premios y cargos honoríficos llovieron sobre el joven joyero, joyeros de toda Europa se interesaron por su investigación experimental. Y en 1897, Gaillard decidió que era hora de dar un golpe…

Se mudó a un nuevo edificio de cuatro pisos en Ryu Boeti, compró la tecnología más nueva y avanzada para esos tiempos. Invitó a artesanos japoneses que estaban dispuestos a revelarle los secretos de las aleaciones antiguas, conoció a grabadores asiáticos, lacas, joyeros… Se hizo amigo de Rene Lalique, un joyero consumado que no solo podía encontrar inspiración, sino también inspirar a sus colegas. Y finalmente, presentó su obra innovadora en la Exposición Universal de 1900 en París.

El público quedó asombrado. Lo que Gaillard comenzó a producir era tan sorprendentemente diferente del trabajo de otros joyeros que el ojo se detuvo involuntariamente en su escaparate. Plata patinada, extrañamente brillante e iridiscente, joyas elaboradas con el más alto gusto artístico, peinetas, horquillas, diminutos jarrones con motivos naturales. Gaillard tardó años en encontrar composiciones especiales para patinar hueso y cuerno, pero la larga búsqueda valió la pena, y el noble marfil en sus manos adquirió tonalidades verdes, moradas y rosadas. Estas decoraciones no eran particularmente duraderas y requerían un manejo cuidadoso, pero se ganaron el corazón de todos los que tenían el honor de mirarlas.

En el trabajo de Gaillard, la influencia japonesa fue muy clara. Representó insectos, flores silvestres, semillas de plantas, todo lo que antes se consideraba inaceptable para las joyas de lujo. Además, fue uno de los primeros, junto con su amigo Rene Lalique, en utilizar imágenes femeninas en joyería, a menudo combinadas con imágenes de serpientes e insectos. Es cierto que, a diferencia de Lalique, no ganó una fama escandalosa por esto …

También está claro que Gaillard tomó prestados de los japoneses los diseños de adornos para el cabello que lo hicieron famoso. Las peinetas de hueso ricamente decoradas siempre han estado imbuidas de un simbolismo especial en la cultura japonesa, y Gaillard combinó a la perfección la funcionalidad asiática con la elegancia parisina. En lo que hizo Gaillard siempre hubo un respeto especial por la mujer. Porque sus peinetas y tachuelas son cómodas, ligeras, agradables al tacto. Y también están imbuidos de luz y aire, parecen vivos, temblorosos, parpadeantes…
Casi nada se sabe de la vida personal de Gaillard. Al parecer, no dejó herederos. El hermano de Gaillard era un famoso diseñador de muebles.

En la primera década del siglo XX, Gaillard se interesó por el soplado de vidrio e incluso colaboró ​​con Lalique, pero su trabajo conjunto no fue especialmente fructífero. Después de la década de 1910, se volvió cada vez menos activo e interesado como científico y artista, pero la firma de Gaillard siguió funcionando hasta 1921. Alrededor de este tiempo, dejó por completo de hacer joyas y desapareció de la escena. En 1942, se supo que el maestro ya no existía. Sin embargo, sus joyas, a menudo no atribuidas, sin nombre, sobrevivieron a su creador, se asentaron en colecciones privadas, se escondieron en museos y quedaron como un recuerdo de la «era hermosa», cuando los artistas veían su objetivo solo en crear belleza.