24 de Febrero de 2017
MISIÓN
Desde nuestro único Teatro Nacional encaramos el desafío de pensar el teatro y lo nacional en toda su complejidad. Entendemos que el teatro nacional es una institución que va mucho más allá del edificio del Teatro Cervantes: abarca todo el país. No como centro irradiador, de la capital al interior; no como lugar de convergencia, del interior a la capital, sino como un nodo en una vasta red: la red de las prácticas teatrales del país.
Estas prácticas definen y amplían nuestro ámbito de acción. No puede restringirse el sentido de teatro nacional a las obras de autor argentino. Teatro nacional es el teatro que se hace en el país, o para el país, o que es relevante para el país, y que puede contribuir a agitar o transformar el país. A crearlo, en suma.
Pensamos que un teatro nacional debe ser una caja de resonancia de los conflictos estéticos y sociales actuales, y que estos deben orientar nuestra mirada sobre el pasado y nuestra tradición. Más que un teatro-museo, queremos un teatro-reflejo del presente y, con suerte, un teatro-reloj que adelante lo que vendrá.
El Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino buscará hacerse cargo de su especificidad en tanto teatro público, sin imitar/mimar/copiar los procedimientos y requerimientos del teatro comercial, sin vampirizar las prácticas del teatro independiente. Nuestro teatro se propone convertirse en la casa de los artistas vivos: el lugar donde puedan trabajar desde la experimentación, el desafío, el riesgo y el error.
Concebimos el teatro público no como un servicio obligado a satisfacer una demanda preexistente, o que esté al servicio de determinada política oficial, sino como una institución que ofrezca a la ciudadanía expresiones artísticas en las cuales reflejarse o negarse, que discuta los modelos dominantes, que estimule la diversidad, que pueda transformarse en una plataforma para el desarrollo de nuevas asociaciones de artistas y públicos que piensen crítica y activamente su arte y su época.
ACCIÓN DE INICIO
Integral Pavlovsky
“Existe la idea de que para que el mundo funcione un poco mejor hay que excretar un sector de la población fuera de la producción capitalista. Un mundo basado en el individualismo, la introspección, el egocentrismo (…) En ese mundo nos queda muy poco espacio. O formás parte de la maquinaria, sos un yuppie o un sociólogo de marketing, o te queda una zona. ¿Qué hacer con esa zona? Te podés suicidar, te podés deprimir, te podés resignar o podés encontrar optimistamente ciertos territorios de producción de subjetividad que, como dice Guattari, se hacen por los bordes, espacios donde independientemente de toda maquinaria florecen otras opciones existenciales”. Eduardo Pavlovsky, La ética del cuerpo
A más de medio siglo del estreno de sus dos primeras obras, La espera trágica y Somos, el Teatro Cervantes propone la lectura integral de la obra dramática de Eduardo “Tato” Pavlovsky, en diferentes espacios de su edificio. Con la participación de más de cincuenta lectores invitados, los textos de Pavlovsky, nunca estrenados en este teatro, resonarán, en simultáneo, no sólo en las salas, sino también en camarines, talleres de vestuario y escenografía, salas de ensayos, y otros rincones habitualmente inaccesibles al público.
Un ritual poético que busca celebrar a una voz imprescindible de la historia de nuestro teatro.
Con la participación de Patricio Abadi, María Inés Aldaburu, Eugenia Alonso,
Maricel Álvarez, Jimena Anganuzzi, Cristina Banegas, Ximena Banus, Oscar Barney Finn, Ricardo Bartís, Mirta Bogdasarian, Sergio Boris, Mirta Busnelli, Luis Campos, Rubens Correa, Analía Couceyro, Mariana Chaud, Claudio Da Passano, Carlos Defeo, Pablo De Nito, Gabriela Ditisheim, Susana Evans, Ariel Farace, Gaby Ferrero, Alejandra Flechner, Victoria Forgione, María José Gabin,
Stella Galazzi, Gabriel Goity, Ramiro Guggiari, Sofía Guggiari, Ricardo Holcer, Silvio Lang, Luis Machín, Leonor Manso, Javier Margulis, Luciana Mastromauro, Marcelo Melingo, Eduardo Misch, Julio Molina, Marcos Montes, María Onetto, Romina Paula, Martín Pavlovsky, Agustín Rittano, Manuela Roca, Fernando
Rubio, Rafael Solano, Beatriz Spelzini, Alfredo Staffolani, Luciano Suardi, Rubén Szuchmacher, Alejandro Tantanian, Julieta Vallina, Diego Velázquez, Emilio García Wehbi, Laura Yusem, Luis Ziembrowski, entre otros lectores invitados.
Un proyecto ideado por el Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino. Coordinación: Elvira Onetto
Única función: 4 de Marzo 2017
En diferentes espacios del edificio del Teatro Cervantes.
FEBRERO-REPOSICIÓN
Tarascones
Tarascones de Gonzalo Demaría, con dirección de Ciro Zorzoli, fue estrenada en junio de 2016 en el Teatro Cervantes. La propuesta parte del costumbrismo para desplazarse hacia otros géneros: del drama de clases a la farsa, del policial a la gauchesca, de la comedia negra a la épica. Construida a partir de distintos moldes estróficos (romances, redondillas, décimas, un soneto) Tarascones es una obra rítmica, que afina su tono entre el lenguaje decorado, ornamental, alto, y sus cruces con lo popular, con guiños hacia la tradicional Revista Porteña. El punto de acento de la dirección de Zorzoli está en la actuación de Paola Barrientos, Alejandra Flechner, Eugenia Guerty y Susana Pampín, y en ese hilo fino que permite el pasaje de una actuación sujetada, contenida, sutil, a otra, febril, estallada, rota.
Escrita por Gonzalo Demaría
Dirigida por Ciro Zorzoli
Con: Paola Barrientos, Alejandra Flechner, Eugenia Guerty, Susana Pampín
Música: Marcelo Katz
Iluminación: Eli Sirlin
Vestuario: Magda Banach
Escenografía: Cecilia Zuvialde
Sala Orestes Caviglia
MARZO-ESTRENO ARGENTINO
La terquedad
Rafael Spregelburd presenta el punto de culminación de su monumental “Heptalogía de Hieronymus Bosch”, inspirada en La mesa de los pecados capitales, pintada por El Bosco a fines del siglo XV. Esta serie teatral está conformada por La inapetencia (1996); La extravagancia (1997); La modestia (1999); La estupidez (2001); El pánico (2002) y La paranoia (2008). La escritura de la pieza fue comisionada por la bienal Frankfurter Positionen 2008 a partir del lema: “Inventar la vida: ¿Por qué se producen tantas innovaciones tecnológicas que tienden a querer garantizar más vida, mientras que no parece haber ningún progreso en el ámbito de la ética?”. Al estreno de La terquedad en Frankfurt y Mannheim, le siguieron versiones en varios puntos del globo, entre las que se destaca el montaje realizado por Marcial Di Fonzo Bo, en París y Avignon. El estreno en el Teatro Cervantes es el primero de la obra en su idioma original, reversionada por el autor para esta ocasión. Anarquismo, fascismo, colectivismo, lenguas regionales y lenguajes utópicos, reforma agraria y lucha de clases atraviesan la compleja arquitectura de la obra, que transcurre durante la Guerra Civil Española, como un espejo que proyecta la llegada de nuestro presente.
Escrita y dirigida por Rafael Spregelburd
Con: Paloma Contreras, Analía Couceyro, Javier Drolas, Pilar Gamboa,
Andrea Garrote, Santiago Gobernori, Guido Losantos, Mónica Raiola, Lalo
Rotavería, Pablo Seijo, Rafael Spregelburd, Alberto Suárez, Diego Velázquez
Música: Nicolás Varchausky
Vestuario: Julieta Álvarez
Video: Pauli Coton, Agustín Genoud
Escenografía e iluminación: Santiago Badillo
Sala María Guerrero
ABRIL – ESTRENO
La savia
Savia es el nombre del líquido que circula por los vasos conductores y transporta el alimento de las plantas, pero también la palabra que se utiliza para nombrar el elemento que da vida a las cosas. En esta, la cuarta creación del autor sanjuanino Ignacio Sánchez Mestre luego de Demo (2012), Lunes abierto (2014) y Despierto (2016), asistimos a una mirada divertida y delicada sobre todo aquello que nos da vitalidad. Entre libros y plantas, Elsa, el personaje interpretado por Mirta Busnelli, atraviesa una etapa de sutil renacimiento. Tal vez, como la vida silenciosa del mundo vegetal, haya algo en nosotros que, aún en el ocaso de nuestras vidas, no deja de manifestarse y crecer.
Escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre
Con: Mirta Busnelli, Agustín García Moreno, Constanza Herrera
Iluminación: David Seldes
Vestuario: Lara Sol Gaudini
Escenografía: Laura Copertino
Esta obra fue seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales para programación 2017”.
Sala Luisa Vehil
ABRIL – PROGRAMA ESPECIAL
Yo en el futuro
Teatro Cervantes I y II
“Yo en el futuro es una repetición puesta en acto, no en vano el futuro es la repetición de una posibilidad, de una potencia (de vida), y en su acontecer lo absorbe todo”. Óscar Cornago
Dando continuidad al proceso creativo de la pieza original estrenada en 2009, estas versiones de Yo en el futuro, inauguradas en 2012 en el extinto festival Escena Contemporánea de Madrid, profundizan el trabajo reflexivo de Federico León sobre el tiempo, la mirada y la revisión y recreación del pasado. Una sola persona en escena, al piano, convive con la proyección de la obra en otros tiempos, lugares y públicos. Cada representación es grabada y, a la vez que enmarca e incorpora el presente, tiende infinitos puentes hacia el futuro, en los que el cine, el teatro y los espectadores se interpelan entre sí.
Dirigida por Federico León
A partir de la versión original de Yo en el futuro creada por Federico León y
Marianela Portillo, Julián Tello, Jimena Anganuzzi, Esteban Lamothe
Actriz en escena: Elizabeth Bagnes
Actores en video: Jimena Anganuzzi, Oscar Grilli, Esteban Lamothe, Isabella
Longhitano, Dina Minster, Marianela Portillo, Belén Pulvirenti, Federico
Rosenzvaig
Técnica general y colaboración artística: Julián Tello
Música: Carmen Baliero y Yo en el futuro
Iluminación: Alejandro Le Roux, Guillermo Nieto
Vestuario: Valentina Bari
Escenografía: Ariel Vaccaro
Esta obra se presentará en dos versiones únicas y diferentes en los meses de Abril -Teatro Cervantes I- y Octubre -Teatro Cervantes II-.
Sala María Guerrero-MAYO-ESTRENO
No me pienso morir
Promediaba en Argentina el siglo XIX cuando José Mármol escribe en Amalia: “Las generaciones se suceden en la humanidad, como las olas de este río, inmenso como el mar”. Confirmando la cita, Mariana Chaud crea su Amalia del siglo XXI que, lejos del cuadro de época y el testimonio político de la novela, construye una apacible antropología del deseo y de las formas que adopta a lo largo del tiempo. En tres situaciones y dos épocas que pueden ser una, la del cuerpo de Amalia, interpretada en su adultez por Graciela Dufau, esta obra ofrece un retrato de aquello que no se piensa morir y en cada tiempo cambia, dando lugar a marcas generacionales, y demostrando su permanencia.
Escrita y dirigida por Mariana Chaud
Con: Sofía Brito, Maruja Bustamante, Claudia Cantero, Graciela Dufau,
Tatiana Emede, Julián Larquier, Andrés Rasdolsky
Música: Fernando Tur
Iluminación: Matías Sendón
Escenografía y vestuario: Gabriela Aurora Fernández
Esta obra fue seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales para programación 2017”.
Sala Orestes Caviglia
MAYO-ESTRENO / OBRA DIRIGIDA A NIÑOS Y NIÑAS
Cyrano de más acá
En esta propuesta para todo público, Emiliano Dionisi presenta una lectura dramatúrgica y escénica de Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand. Este Cyrano propone una mecánica expresiva que nos remite a la comedia del arte pero con una impronta más propia de una Argentina perdida en el tiempo, en vínculo con las representaciones teatrales rioplatenses del circo criollo. El montaje combina, a partir de estas tradiciones, los lenguajes del clown, el teatro físico, el canto y la danza. Con música en vivo y una puesta que remite a las ferias de variedades y los “freak shows”, la obra traza un acercamiento, un más acá entre el drama criollo y el drama heroico de Rostand.
Escrita y dirigida por Emiliano Dionisi
Elenco: Roberto Peloni, Talo Silveyra, Julia Gárriz, Horacio San Yar
Concepción de proyecto: Compañía Criolla
Música y dirección musical: Martín Rodríguez
Iluminación: Gonzalo Córdova Vestuario: Marisol Castañeda
Esta obra fue seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales dirigidos a niños y niñas para programación 2017”.
Sala María Guerrero-JUNIO-ESTRENO EN BUENOS AIRES
Cimarrón
En un delgado equilibrio entre tradición y novedad, Romina Paula ha construido un lenguaje de actuación propio. Ante el despliegue de sus narrativas escénicas, la escritora, actriz y directora, ha ido desprendiéndose del relato, central en sus primeros trabajos, para aproximarse a la construcción de un presente poético que tiene algo de trance y algo de danza. En esta, su última creación, relatos, canciones, bailes y universos intertextuales se funden en un paisaje enigmático y onírico. Tres intérpretes combinan sus particulares registros en una serie de pruebas poéticas y escénicas alrededor de materiales tan diversos como la obra Late: a cowboy song de la autora norteamericana Sarah Ruhl, los motivos de las pinturas de Caspar David Friedrich y las Cartas a un joven poeta de Rainer Maria Rilke, dando lugar a una atmósfera única, cuyos hipnóticos resplandores se imprimen, sutiles y salvajes, en la sensibilidad del espectador.
Escrita y dirigida por Romina Paula
Con: Esteban Bigliardi, Denise Groesman, Agostina Luz López
Escenografía e iluminación: Matías Sendón
Obra comisionada y estrenada por el TACEC Teatro Argentino Centro de Experimentación y Creación, La Plata.
Sala Luisa Vehil
JUNIO-ESTRENO / OBRA DIRIGIDA A NIÑOS Y NIÑAS
Bigolates de Chocote / Deseos Inquietos
Bigolates de Chocote está formado por actores, músicos, titiriteros, clowns y compositores. El grupo ha desarrollado una identidad singular a través de sus creaciones escénico-musicales donde proponen un encuentro lúdico entre adultos y niños. El juego, la ecología, el reciclaje, componen el repertorio de temas que nos invitan a visitar. En ocasión de su aniversario, los artistas presentan distintas situaciones y escenarios que son acompañados por propuestas musicales y visuales. Rock, pop, chacarera, cumbias y cuartetos se combinan con coreografías y sorprendentes muñecos, en una invitación a desplegar la imaginación como parte de una aventura colectiva.
Bigolates de Chocote son: Verónica Belloni, Patricio Famulari, Adriana Paula García y María Marcela Herrera
Músicos invitados: Julián Cusmano, Pablo Ignacio Di Bella
Dirección Musical: Matías Conte
Letra y música: Bigolates de Chocote
Coreografía: Valeria Narváez y Bigolates de Chocote
Iluminación: Fernando Berreta
Escenografía, vestuario y títeres: Azul Borenstein
Autores: Emmanuel Abbruzzese, Martín Joab y Bigolates de Chocote Dirección: Martín Joab
Esta obra fue seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales dirigidos a niños y niñas para programación 2017”.
Sala Orestes Caviglia
ESTRENO / COPRODUCCIÓN CON COMÉDIE DE CAEN, CENTRE DRAMATIQUE
NATIONAL DE NORMANDIE, FRANCIA
Eva Perón / El homosexual o la dificultad de expresarse
En una entrevista imaginaria que publica Le Figaro en su edición del 24 de febrero de 1970, Copi le pregunta a Eva Perón: “¿Qué tono desearía usted que le dé a la pieza?”. Eva le responde: “El más atroz”. Luego del estreno mundial a cargo del Grupo TSE en el teatro L’Épée de Bois, Copi tuvo prohibido su ingreso a la Argentina hasta 1984. Marcial Di Fonzo Bo, destacado director y actor argentino radicado en Francia, protagonista de la versión francesa de Eva Perón que se presentó en Buenos Aires en 2004, nos trae de regreso a Copi a través de Eva Perón y El Homosexual o la dificultad de expresarse. Si, al decir de César Aira, en Eva Perón aparecen superpuestos todos los temas que atraviesan la obra de Copi -la violencia, la muerte, la resurrección y, de modo totalizador, la transexualidad- en El homosexual o la dificultad de expresarse ya estamos adentro de su “obra maestra, donde el encierro es absoluto, sin salida, y lo teatral del teatro se revela en todo su horror”.
Dos obras de Copi
Dirigidas por Marcial Di Fonzo Bo
Con: Carlos Defeo, Rodolfo De Souza, Juan Gil Navarro, Hernán Franco,
Rosario Varela, Benjamín Vicuña
Sonido: Etienne Bonhomme
Iluminación: Bruno Marsol
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Oria Puppo
Sala María Guerrero
Luego de su estreno en el Teatro Cervantes esta obra se presentará en:
• Comédie de Caen, Centre Dramatique National de Normandie: 2 y 3 + 6 y 7 de octubre de 2017
• TNBA – Centre Dramatique National de Bordeaux, en el marco del Festival des Arts de Bordeaux: 10 al 13 de octubre de 2017
• Le Manège, Scène Nationale de Maubeuge: 17 de octubre de 2017
• La Manufacture Centre Dramatique National Nancy Lorraine: del 7 al 10 de noviembre de 2017
• Les Célestins, Théâtre de Lyon, del 14 al 18 de noviembre de 2017
• Théâtre de Nîmes, 22 y 23 de noviembre de 2017
PROGRAMACIÓN INTERNACIONAL
El día de una soñadora (y otros momentos)*
Este montaje reúne dos textos de Copi: El día de una soñadora, su primera obra escrita en francés, y Río de la Plata, el prólogo autobiográfico de un libro inconcluso, en el que Copi duda entre escribir en su lengua materna (la argentina) o en su lengua amante (la francesa). La puesta de Pierre Maillet presenta a Marilú Marini acompañada por las voces en off de Marcial Di Fonzo Bo, Michael Lonsdale y el propio Maillet, en una suerte de recital en formato libre donde ambos textos se funden, se interrogan y se iluminan. Por su condición íntima, cercana, adherente, la actuación de Marini pareciera mostrar una segunda piel desde la cual se revela y se presenta Copi. Lo que vemos ya no respondería a una evocación, una frecuencia o un eco, sino más bien a una presencia adentro de otra:
Marilú Marini siendo Copi.
Sobre textos de Copi, en adaptación de Pierre Maillet
Dirigida por Pierre Maillet
Con: Marilú Marini
Traducciones: Eduardo Muslip y María Silva por El día de una soñadora;
Edgardo Dobry por Río de la Plata
Sonido: Manu Léonard
Iluminación: Bruno Marsol
Vestuario: Raoul Fernández
Escenografía y vestuarios realizados por los talleres de la Comédie de Caen.
Producción de Comedie de Caen-CDN de Normandie, Francia
Con el apoyo de Théâtre des Lucioles-Rennes, Le 104-Paris y Dièse Rhône-Alpes
Sala María Guerrero
* Espectáculo sujeto a confirmación
ESTRENO-Todo lo cercano se aleja
En su conferencia “La ceguera”, Jorge Luis Borges cita el verso que da título a esta obra: “Goethe lo escribió refiriéndose al crepúsculo de la tarde. Todo lo cercano se aleja, es verdad. Al atardecer, las cosas más cercanas ya se alejan de nuestros ojos…”. Laura Paredes, actriz y codirectora del grupo Piel de Lava, encara la dirección de su texto, ganador del Segundo Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia en 2015, en el que expone una lógica vincular degradada en el paisaje poco visitado de la costa argentina. En esta comedia desoladora, mar y cielo, presente y pasado se funden en el lento proceso de pérdida de memoria que sufre Gloria. Como los terrenos cenagosos y devaluados en Madariaga que su hija Selva y el marido quieren vender al Ingeniero, la memoria de Gloria se hunde en el paisaje crepuscular de la playa bonaerense.
Escrita y dirigida por Laura Paredes
Con: Paula Acuña, Marcelo Mariño, Marcelo Pozzi, Emma Rivera
Música: Gabriel Chwojnik
Iluminación: Alejandro Le Roux
Vestuario: Carolina Sosa Loyola
Escenografía: Rodrigo González Garillo
Esta obra fue seleccionada a partir de la “Convocatoria de proyectos teatrales para programación 2017”.
Sala Orestes Caviglia
AGOSTO-ESTRENO
Escritor fracasado
“¿Cómo describir mi llanto ardiente, mi odio encandecido, la desesperación de haber
perdido el paraíso? ¡Oh, para ello se necesitaría ser escritor, y yo no lo soy!” Roberto Arlt, Escritor fracasado
¿Arlt escribía mal? ¿Qué es escribir mal? En palabras de Elías Castelnuovo, “decir que no sabía gramática, significa un elogio. No sabía siquiera poner una coma para separar un párrafo de otro”. Sin embargo, Arlt parece salir de la literatura por la misma puerta por la que entra, a través de una escritura al margen del esteticismo dominante de su época. En Escritor fracasado, relato que integra el libro El jorobadito (1933), Arlt recrea, a través de una mirada corrosiva sobre el campo intelectual, los vínculos entre la figura del escritor y los modos de circulación de la obra de arte. En su trasposición a la escena, Marilú Marini y Diego Velázquez vuelven a este relato para escuchar sus resonancias en nuestro presente y para falsificar el original arltiano. Como leemos en Nombre falso, de Ricardo Piglia: “Escritor fracasado es la historia de un tipo que no puede escribir nada original, que roba sin darse cuenta: así son todos los escritores en este país, así es la literatura acá.
Todo falso, falsificaciones de falsificaciones”.
De Roberto Arlt, en versión de Marilú Marini y Diego Velázquez
Dirigida por Marilú Marini
Con: Diego Velázquez
Escenografía y vestuario: Oria Puppo
Sala Luisa Vehil
SEPTIEMBRE-ESTRENO / OBRA COMISIONADA POR EL TEATRO CERVANTES – TEATRO NACIONAL ARGENTINO
La madre del desierto
Partiendo de una lengua en continua torsión, la escritura y el teatro de Nacho Bartolone se funden en un mismo gesto: adulteración, sensualidad, poesía, desacato. Sus piezas, dueñas de una sonoridad y un cuerpo escandalosos, parecen el resultado de una virtuosa coreografía intelectual. Con pulso alucinado, sus obras Piedra sentada, pata corrida (2013) y La piel del poema (2015), generan vínculos y dislocaciones entre buena parte de la tradición literaria y el teatro argentinos. La madre del desierto ataca el periplo de la difunta Deolinda Correa, puesto en el cuerpo y la voz de Alejandra Flechner. Si el desierto es una página en blanco, y el pasado un holograma o materia que acarrear, el autor enfrenta ambos con entusiasmo y crueldad. Una vez más el lenguaje, a partir del Bebo Pura Leche que encarna Santiago Gobernori, es “un destetado de su raza” y, como toda potencia desobediente, “siempre habla la Lengua de dios”. Escrita y dirigida por Nacho Bartolone
Con: Alejandra Flechner, Santiago Gobernori
Sala Orestes Caviglia
OCTUBRE-PROGRAMACIÓN INTERNACIONAL
El Teatro Cervantes vuelve a ser sede del Festival Internacional de Buenos
Aires – FIBA, organizado por el Ministerio de Cultura del GCBA
Espectáculo a confirmar.
Sala María Guerrero
ESTRENO ARGENTINO / COPRODUCCIÓN CON EL FIBA
3 8 S M (Shakespeare Material)
3 8 S M es una adaptación escénica de la obra dramática completa de William Shakespeare, una producción transdisciplinaria donde se funden el teatro, la performance, la creación audiovisual, la danza y la música. El montaje, realizado con un mismo elenco y a través de 24 horas de espectáculo, abarca las 38 obras que firmó el gran dramaturgo inglés, a la vez que recorre transversalmente la diversidad de las artes escénicas. Durante esta unidad de tiempo y espacio, las raíces mitológicas e históricas del universo shakespeariano se enfrentan con nuestra mirada contemporánea. 3 8 S M es una propuesta de teatro total, un viaje iniciático, una imagen de nuestro mundo difractada por una poética explosiva y universal.
Sobre las obras de William Shakespeare
Concepto y dirección: Laurent Berger
El elenco está conformado por más de 15 actores pertenecientes a los años superiores de la Licenciatura en Actuación de la Universidad Nacional de las Artes: UNA – Artes Dramáticas seleccionados en audiciones abiertas y Gaby Ferrero, Stella Galazzi, Iván Moschner, Luciano Suardi, entre otros.
Proyecto en colaboración con la Universidad Nacional de las Artes – UNA y la Escuela Metropolitana de Arte Dramático – EMAD, dependiente del Ministerio de Cultura del GCBA
Sala María Guerrero
EL TEATRO CERVANTES – TEATRO NACIONAL ARGENTINO PRODUCE EN EL PAÍS
El Programa El Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino produce en el país se propone identificar y hacer visible la diversidad de manifestaciones escénicas del país, con el objetivo de estimular la producción, la investigación y la experimentación en el territorio nacional. En este sentido, el teatro busca trascender los límites del edificio central para estimular proyectos escénicos fuera de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. El Teatro Cervantes no se considera un irradiador de saberes teatrales desde un imaginario centro a una imaginaria periferia, sino más bien un nodo en una compleja red de prácticas teatrales potenciales y reales: un dínamo con la fuerza suficiente para estimular y hacer circular saberes y prácticas de un punto a otro del territorio.
Todas las obras de este programa han sido seleccionadas a partir de la convocatoria “Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino produce en el país”.
MAYO / ESTRENO EN ROSARIO, SANTA FE *
Desmonte
Esta obra continúa con los postulados que Leonel Giacometto desarrolla en su línea de espectáculos teatrales y performáticos previos, entre los que se destacan: Fingido, Real, Latente, Desenmascaramiento, Lo que se pierde y Fuga. Giacometto trabaja, desde la premisa de Alberto Ure, sobre la idea de que un ensayo no es, en efecto, un ensayo, un simulacro, sino más bien un acontecimiento, un hecho real, donde la actuación, como fuerza que se despliega en el espacio, genera una multiplicidad de sentidos y formas. Desmonte construye un relato fragmentado, de temporalidad diversa y quebrada; una obra exploratoria, en tránsito, donde el tramado de los cuerpos y la alternancia de sus identidades son el territorio privilegiado en el cual se reproducen las batallas sociales.
Escrita y dirigida por Leonel Giacometto
Con: Alexis Muiños Woodward, Juan Manuel Medina
Vestuario: María Guadalupe Bayúgar
Escenografía: Andrés Cracogna
Instituto de Artes Escénicas (IDAE), Entre Ríos 840, Rosario, Santa Fe
JUNIO / ESTRENO EN VILLA LA ANGOSTURA, NEUQUÉN *
TiemVla (Teatro Volcánico)
En junio de 2011, el pueblo de Villa La Angostura fue cubierto por 30 cm de ceniza volcánica tras la erupción del volcán Puyehue, ubicado en la República de Chile. La obra TiemVla recupera este suceso histórico desde distintas secuencias escénicas: tres mujeres encerradas en una casa; un buzo rescatado del lagomoto; un motoquero que llega al pueblo; un bajista que marca el pulso del relato. En simultáneo, a partir de un micrófono abierto, se invita a los espectadores a narrar el testimonio de sus vivencias de aquellos días. En este sentido, la obra construye una suerte de archivo abierto, proliferante, en el que en cada función, en cada relato, se incorpora una experiencia íntima a una trama colectiva, común, donde se confunden, finalmente, Historia y ficción.
Escrita y dirigida por Mariela Roa
Con: Leandro Andrés, Andrés Barragán, Verónica Marí, Mariela Roa,
Gabriela Suárez
Sonido: Walter Corte
Música: Gustavo Romero
Iluminación: Graciela Veira
Vestuario: Candelaria Borge
Escenografía: Paola Knotek
Centro de Congreso y Convenciones Arrayanes, Villa La Angostura, Neuquén
JULIO / ESTRENO EN LAGO PUELO, CHUBUT *
Los gansos graznan un rato y se callan
Los gansos graznan un rato y se callan es una adaptación de Tío Vania, de Anton Chéjov, realizada por la Compañía Teatro Casero de la ciudad de El Bolsón. El proyecto completa una trilogía del grupo sobre el autor ruso, conformada por Amoroso, a partir de El oso, y Ensayo Ruso, sobre Pedido de mano. La puesta de Darío Levin y Adrien Vanneuville se sitúa en un espacio no convencional: una vieja carpintería ubicada en una zona semi-rural de la Comarca Andina, región donde el grupo reside. Esta propuesta borra la división y distribución habitual entre escenario y platea, en tanto el público se integra deliberadamente en la escena. Desde esa intimidad, el material chejoviano es interpelado por la geografía en la que se emplaza: la nieve, el frío, el campo y el horizonte que culmina en las montañas. Teatro Casero investiga escénicamente de qué modo, con qué resonancias, con qué modulaciones nos interroga Chéjov, hoy, en la Comarca Andina.
Sobre Tío Vania de Anton Chéjov, en adaptación de Darío Levin y Adrien Vanneuville Dirigida por Darío Levin y Adrien Vanneuville
Con: Guido Arena, Darío Levin, Kevin Orellanes, Silvina Orlando, Marta Roger,
Adrien Vanneuville, Cecilia Ventuala
Iluminación: Braian Mustafá
Vestuario: Camila Mery
Taller Mandarina, Ruta 16 km. 9, entre Rotonda Radal y Rotonda de Maderera,
Callejón Tiempo Puelo S/N, Lago Puelo, Chubut
SEPTIEMBRE / ESTRENO EN CIUDAD DE CÓRDOBA, CÓRDOBA *
Número 7
La Organización Q, formada a fines de 1998 en la ciudad de Córdoba, presentó sus primeras producciones -Carnaval Q (1999), VelázQuez (1999) y Farándula de Charlatanes (2000)- ligadas al teatro de imagen, la performance y el teatro de objetos, perfilando una estética que se afirma en el cruce de disciplinas. En Número 9 y Número 8 ha incorporado a su trabajo con muñecos un interés por el texto dramático y las tensiones que lo performático y lo narrativo despliegan sobre los cuerpos de los actores/manipuladores. Para esta obra, Número 7, se incorpora al trabajo del grupo la dirección del coreógrafo y bailarín cordobés Walter Cammertoni. En este nuevo proyecto, el movimiento funciona como centro de la teatralidad. Bailar, la forma escénica no-representativa por excelencia, porque, en palabras de la Organización Q: “cuando los cuerpos se balancean en el espacio, de un lado a otro siguiendo o contrariando el compás de una sonoridad, podemos pensar que no están haciendo nada más que eso”.
Dirección: Walter Cammertoni
Dramaturgia: Luciano Delprato
Con: Marcos Cáceres, Pablo Cécere, Luciano Delprato, Rafael Rodríguez
Sonido: Pablo Cécere
Iluminación: Rafael Rodríguez
Escenografía y vestuario: Rafael Rodríguez, Luciano Delprato
DocumentA/Escénicas, Lima 364, Ciudad de Córdoba, Córdoba
* Los meses de estreno de estas cuatro producciones están sujetos a confirmación
TERRITORIOS EN CONFLICTO – CICLO DE
CONFERENCIAS PERFORMÁTICAS
Preguntas del país invisible: ¿Nos están envenenando los agrotóxicos? ¿Qué se esconde detrás de la fastuosa modernización de la Comuna 8 de Buenos Aires? ¿El ferrocarril es parte de una utopía del pasado? ¿Quiénes son los perdedores en la fiesta de la agroindustria? ¿Quiénes, los nuevos dueños de la Patagonia? ¿Cómo muere una cultura a través de su lengua?
Preguntas que se esconden a lo largo del territorio nacional como una sombra que acompaña calladamente a los festejos de un progreso que se lleva puesto tradiciones, formas de vida, naturaleza y recursos vitales. Seis artistas intentan escuchar y amplificar las voces de las cada vez más numerosas víctimas del mal llamado desarrollo económico.
Este ciclo de conferencias performáticas propone cruces entre las artes visuales, el teatro, la performance y el ensayo crítico, a partir de las investigaciones que una serie de artistas llevan a cabo en distintos territorios en conflicto de nuestro país. Los resultados de estas investigaciones trazan preguntas, conclusiones y aproximaciones a los diferentes conflictos, a la vez que crean un dispositivo escénico para compartirlos y comunicarlos.
Idea y curaduría: Gabriela Massuh y Carlos Gamerro
Sala Luisa Vehil
ABRIL
Extinción
Soledad Barruti + Agustina Muñoz
Mientras el modelo de producción industrial de alimentos se extiende como “la única solución para combatir el hambre”, dos periodistas en escena se proponen investigar, comprender y recuperar lo que se extingue en ese proceso. ¿En qué se convierten la identidad, el territorio, la vida cuando no hay lugar para la diversidad, cuando el monocultivo se convierte en monocultura y la monocultura en una aplanadora que se representa en platos que sólo se pueden comer sin saber qué se está comiendo?
MAYO
El manto. Nuevas noticias de la República Unida de la Soja
Eduardo Molinari
¿A quién le importan los pueblos fumigados? ¿Cuáles son las relaciones y rasgos comunes entre la maquinaria transgénica y las guerras contemporáneas por el control de tierras y recursos naturales? ¿Cuáles son los objetivos de este mundo-laboratorio que procura el control de los niveles moleculares de la vida? ¿Es posible pensar un “teatro de la fumigación y el desmonte”?
JUNIO
El ferrocarril es futuro
Patricio Larrambebere + Ezequiel Semo
El proceso histórico del ferrocarril es un constituyente fundamental y reflejo de la actual situación de la Argentina. ¿Se puede leer la historia y los distintos procesos que involucraron al país a través de nuestros ferrocarriles? ¿Es el ferrocarril un espacio de la utopía como sociedad? La pertenencia y el ser ferroviario aún subsisten en algunos rincones de nuestra dilatada y fantasmagórica geografía.
AGOSTO
Villa 20. Una historia de abajo hacia arriba
Marcos Chinchilla + Azul Blaseotto
La Villa 20 está en el epicentro de las arremetedoras reformas inmobiliarias de la Comuna 8, eje principal de la privatización de la zona Sur de la ciudad de Buenos Aires. Dos personajes dialogan acerca de un territorio en disputa entre políticas públicas erráticas, intereses privados, blanco de negociados inmobiliarios, y deseos y necesidades de los vecinos, en un contexto de emergencia habitacional.
SEPTIEMBRE
Las “guerras” por la tierra en la Patagonia del siglo XXI. Escenas de una disputa cultural, política y económica
Cristian Aliaga
En la Patagonia de hoy la lucha popular por el agua, la preservación del ambiente y los derechos humanos se enfrentan a la avanzada del capitalismo más concentrado. Las tensiones territoriales se exacerban y crece la conflictividad en el choque de modelos de desarrollo económico y matrices culturales divergentes. Las disputas involucran a pueblos originarios, latifundistas extranjeros, ecologistas “profundos”, gauchos casi mendicantes, pequeños agricultores, artesanos y feriantes, herederos de las comunas sesentistas y exiliados de las ciudades.
NOVIEMBRE
Timotek: Exclusión de una lengua nativa
Nicolás Varchausky
La conferencia desarrolla el vínculo entre lengua y territorio como factor de poder, tomando el caso de Blas Jaime, último hablante de la lengua chaná. Un recorrido por la historia de los desplazamientos territoriales y lingüísticos; una investigación sobre las formas y marcas de colonización del lenguaje a través del sonido, presentes en forma de acentos regionales.
LABORATORIOS DE CREACIÓN
Estos laboratorios proponen un espacio para la investigación aplicada a la creación escénica. Se busca desarrollar un proceso de investigación sostenido en el tiempo, que permita de manera orgánica construir una usina de creación y experimentación, sin depender de un resultado artístico final. Los laboratorios permitirán el tránsito por una experiencia escénica concebida como campo de prueba, un espacio que contemple tanto el hallazgo, como el ensayo y el error.
Los participantes de estos laboratorios serán seleccionados mediante audiciones abiertas a toda la comunidad teatral.
Los trabajos realizados en el marco de los laboratorios contarán con sesiones abiertas al público en general.
LABORATORIO DE CREACIÓN I
Ricardo Bartís
Ricardo Bartís es un referente sustancial de la historia del teatro argentino. Desde sus inicios como director con Telarañas, a mediados de los años 80, sus trabajos sostienen una búsqueda siempre renovada de lenguaje teatral, donde la actuación se hace presente como un acto de afirmación poética. Su relevancia como creador se extiende al campo pedagógico, donde las problemáticas asociadas a la práctica actoral ocupan el centro de la investigación expresiva. Desde Postales argentinas hasta Hambre y Amor, sus trabajos se crean a partir de extensos períodos de investigación, como condición de posibilidad en la constitución de la poética de cada obra. Lejos de cualquier método o técnica, sus entrenamientos se convierten en usinas de lenguaje y, junto con el ensayo, son el espacio privilegiado en la creación de sus espectáculos. La constante búsqueda de un lenguaje poético y sus consecuencias espaciales, lumínicas, textuales, produjeron otro teatro, otras formas de ensayar, otras formas de actuar.
La investigación, durante el laboratorio dirigido por Ricardo Bartís, tiene como objetivo central el desarrollo de una ejercitación que plantee tensiones sobre la condición del actor, el estar por encima del ser, las relaciones con el texto, el espacio, el tiempo: temas humanos que la actuación captura y relata.
LABORATORIO DE CREACIÓN II
Silvio Lang
A través de su producción artística, Silvio Lang ha dado cuerpo a una escena de disidencia y agite, que problematiza tanto las teatralidades dominantes como los esquemas de producción que las fagocitan. En vínculo con un teatro de la no identificación, sus obras buscan friccionar y romper los modelos culturales fijos para dialogar con otra escena posible: el feminismo, la crítica a las estructuras del patriarcado, la fuerza que emerge de lo minoritario. El teatro de Lang -Querido Ibsen: soy Nora; Meyerhold, freakshow del infortunio del teatro; El Don; y El fiord, entre otras- piensa la actuación como un campo en el que se despliega la potencia afectiva y política de los cuerpos.
¿Cuáles son los modos de producir existencia del neoliberalismo actual? ¿Cómo sufren los cuerpos hoy? ¿Qué estrategias de dicha componen colectivamente? El laboratorio Teatro de las Fuerzas propone una investigación sobre prácticas de movimiento, escritura y narrativas escénicas, vinculadas al lenguaje artístico que Lang viene desplegando en los últimos años en distintos planos de la producción cultural.
ACCIÓN DE CIERRE
Música y escena
“Hay una extraña propaganda dando vueltas según la cual, como uno compone o pinta, lo que necesariamente quiere es música o un cuadro. Sin embargo, la conclusión de una obra no tiene que ver con atar cabos, con “mostrar los propios sentimientos” o con “decir una verdad”. La conclusión es simplemente la perpetua muerte del artista.
¿No es cualquier obra maestra una escena de muerte?”
Morton Feldman, Pensamientos verticales
Cerrando una temporada que se concentró en la expansión de los límites de lo que entendemos por teatro nacional, el Teatro Cervantes abre sus puertas al arte sonoro. Durante dos extensas jornadas de doce horas cada una, el teatro ofrecerá más de veinte conciertos: música antigua, clásica y contemporánea, popular y electrónica, convivirán en simultáneo, en la sala María Guerrero y otros espacios del teatro nacional. Este evento, que incluirá compositores, intérpretes y ensambles de distintas partes del país, pondrá el foco en la exploración de los profusos vínculos entre música y escena, celebrando el fin de la temporada y presentando el nuevo ciclo que tendrá lugar en la programación 2018.
Un proyecto ideado por el Teatro Cervantes – Teatro Nacional Argentino.
Este evento tendrá lugar en el mes de Diciembre.
En diferentes espacios del edificio del Teatro Cervantes.
ÁREA GESTIÓN DE PÚBLICOS
¿Cómo se piensan y se gestionan los públicos en el único teatro nacional del país? ¿Cómo acercar las prácticas teatrales a un público que no se limite sólo a la ciudad de Buenos Aires, sino que abarque todo el territorio nacional? ¿Cómo acercar el teatro a los jóvenes, a los niños y niñas, y a las diferentes familias? ¿Cómo seguir estando cerca de aquellos espectadores que nunca han dejado de venir al teatro? El área de Gestión de Públicos se propone como un laboratorio de investigación, indagación y usina de acciones para reforzar vínculos y relaciones entre el Teatro Nacional y sus espectadores.
Coordinación: Ana Durán y Sonia Jaroslavsky
ACCIONES
CLUB CERVANTES / Se organizará la creación de un Club de beneficios para fidelizar a los públicos interesados, que contarán con prioridades de compras de entradas y descuentos en diferentes locales. Además, se organizarán para ellos charlas con los artistas y encuentros de debate coordinados por especialistas.
APP TC-TNA / Para facilitar el acceso a los espectadores de todas las edades, se podrán adquirir las localidades vía