La «corrección política» es uno de los logros más importantes de finales del siglo XX. Es un regulador útil para las personas que viven juntas en una sociedad cada vez más diversa. En algunas áreas, y aquí especialmente en el arte, sin embargo, llega a sus límites. En el arte, esto se aplica a aquellas obras que ya fueron creadas en un momento en que estas normas simplemente no existían y cuyo significado y/o mensaje son cambiados por su aplicación. Uno de los ejemplos más llamativos de esto es, sin duda, «Otelo», ya sea de Shakespeare o de Verdi. Otelo es un hombre negro que ascendió a la alta sociedad a través de la excelencia en la guerra, pero precisamente por el color de su piel, no es aceptado allí, o en el mejor de los casos sólo de forma limitada. Si, por razones de corrección política, el actor que interpretó a Otelo no puede maquillarse de negro, entonces la obra pierde su sentido. El argumento que a veces se esgrime de que el espectador puede imaginar esto es solo una justificación artificial para algo que no se puede justificar. Lo mismo se aplica al «Barón Gitano». Los gitanos, y estoy usando deliberadamente este término políticamente incorrecto aquí, son los buenos en este artículo. Lo que queda es el entusiasmo por la guerra que algunos sienten en esta obra, que domina sobre todo el tercer acto. Las guerras eran y son cosas terribles. El alivio al final de una guerra puede ser mucho más comprensible, y nada más sucede en el tercer acto. Por supuesto en la forma que se acostumbraba en el momento en que se escribió la obra. Tendemos a olvidar hoy que la opereta era solo para entretener en ese entonces.
«No se puede poner en escena este trabajo sin reflexionar hoy», dijo el director Peter Lund .en una entrevista y que ciertamente podría entenderse como una peligrosa amenaza. Lo que se conoce como una opereta ingenuamente romántica y alegremente sentimental se convirtió aquí en un melodrama de plomo. Comienza con la interrupción de la obertura después de unos compases y el coro cantando el primer verso de la canción gitana. Para el resto de la obertura, debes ver una animación de sombras sobre el asedio turco y la liberación de Viena. Entonces descubres que Peter Lund está utilizando el truco, que ya no es del todo nuevo, del «teatro sobre el teatro», en el que el director de una compañía de teatro ambulante anuncia que se representará una obra sobre el destino de los gitanos, es decir, el » barón gitano». La trama luego sigue su curso, con algunos cambios inmediatamente aparentes. Lo más llamativo es que la profecía de Conte Carnero falta en la escena de la adivina de Czipra. Esto también elimina la escena de reconocimiento entre él y la institutriz Mirabella, en la que resulta que tiene un hijo ilegítimo, lo que, por supuesto, es particularmente vergonzoso para un viceinspector. También es notable que Zsupan es en realidad menos un criador de cerdos que un fabricante de carne y salchichas. De alguna manera todavía aceptarías todo el asunto si saliera al escenario con entusiasmo y humor. que Zsupan es en realidad menos un criador de cerdos que un fabricante de carne y salchichas. De alguna manera todavía aceptarías todo el asunto si saliera al escenario con entusiasmo y humor. que Zsupan es en realidad menos un criador de cerdos que un fabricante de carne y salchichas. De alguna manera todavía aceptarías todo el asunto si saliera al escenario con entusiasmo y humor.
Pero prácticamente no hay gira personal ni coral. Los protagonistas en su mayoría se paran en la rampa y el coro se mueve inquieto durante sus pasos, como es habitual en la actualidad. Definitivamente vale la pena mencionar el final. Al comienzo del tercer acto, el maestro de ceremonias anuncia que todos menos uno, Zsupan, de los hombres que fueron a la guerra al final del segundo acto han caído. Zsupan luego canta su copla y ese es el final de la pieza. Sin embargo, como el «público» refunfuña en el escenario, deciden mostrar un final feliz, que yo calificaría como una inadmisible intervención en el libreto. Además, el final se presenta de una manera kitsch similar a un caramelo. Todo se reproduce, estamos en el teatro contemporáneo, en un diseño de escenario uniforme de Ulrike Reinhard.Se trata de una torre abierta por un lado -aparentemente las ruinas del castillo- que tiene que servir para todas las escenas debido a varias escenografías y efectos de iluminación. Los trajes de Daria Kornysheva son una gran mezcla de estilos, y algunos (Saffi) son bastante inadecuados.
Básicamente, estamos una vez más experimentando un teatro instructivo que debería haber sido cuestionado hace mucho tiempo, pero que no tiene absolutamente ningún lugar en la opereta.
Podrías haber pasado por alto algunas cosas si la velada hubiera sido al menos musicalmente satisfactoria. Alfred Eschwé , normalmente una garantía para una buena dirección de opereta, aparentemente se contagió del escenario y dirigió todo menos un ramo enérgico. La orquesta sonaba pesada, por momentos se tenía la sensación de que la actuación no se movía.
Como Barinkay, Lucian Krasznec tiene una agradable voz de tenor con unos agudos bastante seguros. Sin embargo, estos agudos suelen sonar un poco estrechos. Kristiane Kaiser cantó Saffi con una voz algo rígida, que tiene bastante trémolo en el registro alto. Además, ella no puede tocar en absoluto. Kurt Rydl como Zsupan se puede ver claramente que ha tenido una larga carrera. También tiene un trémolo bastante violento. Anita Götz como Arsena suena un poco fuerte con agudos estridentes. Aunque Martina Mikelic (Czipra) tiene una mezzo que suena bien, también se nota cierto trémolo en el registro alto. marco de sapia, que suele estar siempre en el lado positivo, sonaba bastante pálido y monótono esta vez como el Conde Homonay. Regula Rosin siguió siendo poco destacable como Mirabella, mientras que David Sitka como su hijo Ottokar fue uno de los pocos momentos felices. Como Conte Carnero, Boris Eder permaneció bastante seco y sin sentido del humor.
El coro ensayado por Thomas Böttcher también fue una de las impresiones positivas de la velada.