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LA CIOCIARA (OPERA) discurso contemporáneo, una crítica que nunca había visto la luz...

En el Teatro Lirico de Cagliari, La Ciociara de Marco Tutino es el seguidor lógico de la tradición de la ópera italiana suspendida luego del fallecimiento del Mtro. Puccini. Triunfa, con una dirección de Francesca Zambello ya probada en San Francisco y una Anna Caterina Antonacci tan protagonista para subir a una parte del texto.

Una historia completamente diferente en el Teatro Lirico de Cagliari, donde en ocho actuaciones del 24 de noviembre al 3 de diciembre se ha demostrado lo que debe ser el teatro de ópera, nada menos, a comienzos del milenio (1917). La ciociara es una obra de dos actos basada en la novela de Alberto Moravia y, medido, mediada por la película con el director de Vittorio De Sica y Sophia Loren como protagonista. Luca Rossi obtuvo un guión que luego fue traducido a libreto por el compositor designado, Marco Tutino, y por un hombre de teatro de confianza, Fabio Ceresa. Situada con música y dotada de un escenario formidable, la ópera triunfó en la Ópera de San Francisco en junio de 2015. Se reanudaría en el Teatro Regio de Turín durante la próxima temporada, pero con poca previsión ese proyecto se desvió hacia títulos de repertorio.
La escena de Cagliari (1917) se apresuró a revelar esa delicadeza: con el debut europeo de Ciociara, ha reiterado que tiene un papel internacional y, al mismo tiempo, ha predicado la continuación lógica de la tradición de la ópera italiana suspendida. A Tutino no le faltaron los méritos: en particular en Ciociara , sin embargo, su discurso se cruza con el tema más apasionante, motiva a los intérpretes al máximo e involucra al público a través de la restauración y la reinvención de un código común. La naturalidad melódica en el canto de la conversación, la triangulación intemporal de los roles entre soprano, tenor y barítono, un interludio sinfónico evocador y conmovedor, el juego de incluir como tal "El camino en el bosque" por Bixio-Rusconi en la partitura, la dramaturgia italiana que aún sabe educar y moverse.
Es sobre todo la adquisición del lenguaje cinematográfico lo que determina las novedades estructurales, superando de manera sin precedentes la anterior de De Sica. Con palabras y música nacidas sin, una diría, una anterior a la otra, se da un ejemplo impactante en la escena de la ejecución de Michele y en la de la violación de Cesira y Rosetta: clímax dramático y clave de sacrificio de todo el conjunto. acción, en el trabajo se entrelazan y se suspenden, acumulando tensión sobre tensión en el público. A cambio, sucede lo inaudito: lágrimas manchadas en una parte de nuestra historia, estallidos de aplausos en la escena abierta, personajes e intérpretes tan inextricablemente unidos que, entre las ovaciones finales, los que interpretan el papel de un villano caen incluso un bramido furioso. Bienvenido de nuevo, ópera italiana.
La obra maestra del retrato y la transfiguración de la realidad, también y sobre todo en la guerra y la miseria, entre el desgarrador virtuosismo de los bombardeos, es el escenario con dirección de Francesca Zambello (tomado de Laurie Feldman), escenas de Peter J. Davison, vestuario de Jess Goldstein, luces de Mark McCullough, videos de S. Katy Tucker y coreografía de Luigia Frattaroli. No es una deuda perezosa, pero un tributo a De Sica es la recuperación crítica de alguna oleografía que la famosa película ha hecho inevitable. La superposición de la película y la partitura no podría admitir más, ya que hay otros caminos dramatúrgicos y psicológicos cubiertos por Tutino y tratados por Zambello, y dado que está completamente emancipado de cualquier precedente, sobre todo, es la contribución del actor de la compañía de canto en Cagliari. .
La parte principal de Cesira se concibió específicamente en las cualidades vocales y escénicas de Anna Caterina Antonacci: decir que es una intérprete incomparable, autónoma para contrastar con el precedente de Loren, es equivalente a la tautología necesaria y al mismo tiempo vana. Sin embargo, se repetirá hasta el aburrimiento que los recursos artísticos de Antonacci superan con creces los requeridos por la convención para un cantante de ópera: la firma sigue siendo la erudición del músico, la firma sigue siendo el timbre triste, pero la palabra y la acción son informado de la sutileza lingüística, de la cinofilia voraz, con el aliento y el acento de un teatro de prosa, todos transportados intactos, como si esto fuera un hecho obvio, en la cama de Procrustes de la partitura. Con plácida conciencia de Tutino, en la Ciociara Antonacci es parte del texto.
Para el ritmo escénico y la caracterización dramática, Rosetta de Lavinia Bini, en violenta evolución psicológica, Michele de Aquiles Machado, perdedor y glorioso como un héroe romántico, Giovanni di Sebastian Catana, de canción rústica pero vilain eficaz , a través de avanzando hacia el inconfundible personaje de Gregory Bonfatti como Pasquale Sciortino y Lara Rotili como su madre María. Entre todos ellos se destaca, como un monumento, el Fedor von Bock de un Roberto Scandiuzzi siempre negro, perentorio, impenetrable, listo para ofrecer el grano vocal de Felipe II a la ópera contemporánea. En cuanto a la dirección, Giuseppe Finzi dirige la orquesta Cagliari con firmeza en la iluminación sinfónica y sigue la canción con exigente confianza: parecerá poco, pero eso es todo. Triunfo.

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